Presentación

Este blog creado por Laura y Lluís, tiene como objetivo hablar sobre algunos aspectos de la música. Este blog ya estaba creado y trataba sobre las TIC aplicadas a la clase de música, y para ello habíamos escogido el tema de la historia de la música del siglo XX. Con motivo de este curso, hemos recuperado el blog y hemos añadido una entrada más sobre los intevalos musicales.

Un saludos

Los intervalos musicales

A continuación exponemos una presentación sobre los intervalos musicales:

INTERNET Y MÚSICA

Las TICs han supuesto un gran avance en materia educativa. Se trata de una herramienta cuyo empleo ofrece un amplio abanico de posibilidades didácticas en el aula: desde la proyección de videos hasta la interactuación con la pizarra digital, recursos que permiten una enseñanza completa y favorecen un aprendizaje ameno.

La asignatura de música se ve gratamente beneficiada por este avance tecnológico, gracias al cual es posible acercar a los alumnos a cualquier tipo de práctica musical, ya sea actual o remota. Cada concepto transmitido tiene su representación pictórica, de esta manera el estudiante es capaz de comprender las ideas de forma instantánea. 

PROPUESTA DIDÁCTICA: MÚSICA CULTA DEL SIGLO XX

La propuesta presentada a continuación tiene como objetivo el empleo de recursos audiovisuales para la explicación de una unidad didáctica. En este caso hemos escogido un tema programado para el curso de 3º de E.S.O.: Música culta del Siglo XX.

Nos hallamos ante un momento histórico caracterizado por sus revoluciones sociales y los cambios estéticos y artísticos. La tradición musical sufre una quiebra, fruto de la cual surgen multitud de representaciones musicales cuyo objetivo es ofrecer alternativas sonoras que difieran de lo conocido hasta el momento. El resultado final presenta un arte sonoro renovado. Para lograr este estadio ha sido sometido a pruebas y teorías utópicas propias de un mundo en plena ebullición. Nunca antes se había visto semejante eclecticismo, confusión y proliferación de escuelas.

Tras la introducción realizada, procedemos a la explicación por orden cronológico, de la gran variedad de corrientes musicales surgidas en el siglo XX. Para ello disponemos del siguiente esquema:

Impresionismo	Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas, Eric Satie y Manuel de Falla
Neoclasicismo	Ígor Stravinsky y Paul Hindemith
Segunda Escuela de Viena: Dodecafonismo y Atonalidad	Alban Berg, Anton Weber y Arnold Shoenberg.
Compositores de Vanguardia	John Cage, György Ligeti, Karlheinz Stockhausen, Luciano Berio, Edgar Varese.
Jazz	Inicios jazzísticos y fusión con otras manifestaciones artísticas.

Comenzamos nuestro recorrido musical...

IMPRESIONISMO

Esta corriente artística debe su nombre al cuadro de Monet “Impression, soleil levant”. Fue exhibido en el París de 1874, y peyorativamente calificado como impresionista por el crítico Louis Leroy:

"Impresión..no me cabe duda. Me decía a mí mismo que, como estaba impresionado, debía haber alguna impresión allí..y qué libertad, que fácil artesanía ! El empapelado en su estado más embrionario tiene más terminación que este paisaje marino.

Louis Leroy

Según el Webster’s Dictionary, el Impresionimo musical es definido como: “El estilo de composición destinado a crear impresiones descriptivas mediante la evocación de estados anímicos, utilizando armonías y timbres ricos y variados”. Esta corriente musical surge principalmente en Francia. No trata de expresar sentimientos ni relatar un argumento, su principal objetivo es evocar un clima, una atmósfera con ayuda de títulos sugerentes y ocasionales.

Los principales exponentes de la música impresionista fueron: Claude Debussy, Maurice Ravel, Eric Satie, Paul Dukas y Manuel de Falla. 

Claude Debussy

Acogió en su obra la búsqueda de un clima y una atmósfera particular que le lleva a nuevas investigaciones a nivel sonoro, donde el timbre predomina sobre los factores armónicos y melódicos. Utiliza nuevas series de acordes, introduce escalas de tonos enteros, cromatismos bastante acentuados y melodías pentatónicas y modales.

Para conocer la armonía propia de Debussy escucharemos Claro de Luna, una de las piezas más conocidas de su obra. 

Claro de Luna es una melodía que nos resulta familiar a muchos de nosotros. Su popularidad se debe a la aparición en diversas películas, como es el caso de la famosa saga Crepúsculo. 

Debussy también destacó en la composición orquestal. En esta ocasión hemos seleccionado su afamado Prélude à l'après-midi d'un faune, poema sinfónico compuesto en 1894 e inspirado en el  poema simbolista de Mallarmé, del cual Manet realizaría ilustraciones.  

En 1912 Valsav Nijinsky confeccionó una coreografía para esta pieza. Contemplémosla a continuación.

Maurice Ravel

Ravel perteneció al mismo ambiente parisino que Debussy, sin embargo su música difiere un muchos aspectos significativos. Una de las características más denotadas de su obra es la proximidad al espíritu del siglo XVIII, por sus melodías y formas más precisamente definidas y por un empelo algo más tradicional de la tonalidad y la disonancia. Sus melodías son mucho más claras y líricas. 

Fue un gran orquestador, lo cual podemos observar en su célebre Bolero de 1928.

Eric Satie

La música de Satie puede considerarse en algunos aspectos como una reacción contra el impresionismo. Dicho autor practicó una estudiada sencillez en el ritmo, en la melodía y en la armonía. Su música posee melodías simples acompañadas por armonías inesperadas. ¿Qué mejor manera que mediante la Gymnopedie nº1 para comprobarlo? 

Paul Dukas

Aunque compuso una gran cantidad de música, destruyó gran parte de su obra por no sentirse satisfecho con su trabajo. Actualmente solo se conserva una pequeña porción de su trabajo, donde se observa un dominio magistral del ritmo y una orquestación brillante. La obra más conocida de su breve catálogo es  L'apprenti sorcier o El aprendiz de Brujo, popularmente conocida por su aparicióna en la película Fantasía de Walt Disney. 

Manuel de Falla

La figura de Falla fue de vital importancia para España, siendo éste el mayor exponente del nacionalismo musical español. Su formación tuvo lugar en Madrid y posteriormente en París, por ello su obra estuvo fuertemente influenciada por las corrientes francesas y las vanguardias europeas. De la fusión de estos parámetros surge una música de gran calidad cuya importancia permitió que la música española obtuviera un lugar de honor en las salas de concierto. 

NEOCLASICISMO

El neoclasicismo fue una corriente de la música contemporánea del siglo XX que se manifestó especialmente en el periodo de entreguerras, en las décadas de 1920 y 1940. Se caracteriza por el retorno a los grupos instrumentales pequeños o camerísticos, en lugar de la gran orquesta, por el uso de la técnica del concerto grosso  y por evitar la expresión emocional típica del Romanticismo. Las figuras más representativas de esta corriente fueron: Paul Hindemith e Ígor Stravinsky.

Paul Hindemith

Es considerado uno de los músicos alemanes más importantes del siglo XX. Ha sido calificado como neoclásico, no obstante su música posee matices muy diferentes a los de Stravinsky. El trabajo realizado es más cercano al estilo contrapuntístico de Bach que a la claridad clásica de Mozart. A continuación un extracto del Concierto para cuerdas y metal op. 50, en el que dirige el propio compositor.

Ígor Stravinsky

Stravinsky experimentó tres etapas musicales diferentes en su vida: en primer lugar el periodo primitivo o ruso, seguido del neoclasicista y por último se sumergió en el dodecafonismo.

Su estilo neoclásico nació como una oposición al subjetivismo desprendido por el Romanticismo y el expresionismo germánico. Esta música supone el abandono de las formas pensadas para los grandes conjuntos orquestales. La obra neoclásica más representativa de su catálogo es Pulcinella, pieza para instrumentos de viento, basada en la música del s. XVIII.

El video propuesto, es una grabación donde aparece el propio Stravinsky en un ensayo orquestal.

El siguiente vídeo pretende relacionar la música neoclásica con sus formas antecesoras. Encontramos el concierto para flauta, dos violines y bajo continuo en Sol Mayor de Pergolesi. 

No podemos dejar de hablar de esta célebre figura musical sin antes citar una de las obras más importantes de su vida: La Consagración de la Primavera. Aunque no forma parte del estilo neoclásico, esta pieza supuso una gran revolución musical en el momento, debido al tratamiento orquestal característico nunca antes empleado. Es un ejemplo perfecto de la capacidad rítmica y la fuerza que puede transmitir una orquesta. Observemos el ballet de la obra: 

Terminamos con otra de las obras insignes de su catálogo: El pájaro de fuego. El video propuesto forma parte de la película Fantasía de Walt Disney, en el cual podemos percibir una fusión perfecta entre la música y el arte sonoro.

SEGUNDA ESCUELA DE VIENA

Fueron un grupo de compositores de la primera mitad del siglo XX, liderados por Arnold Shönberg y sus alumnos Alban Berg y Anton Weber. Fueron los primeros que emplearon la atonalidad y luego el dodecafonismo en la música occidental. 

Atonalidad

Es un sistema musical que prescinde de toda relación de los tonos. Los acordes, lazos armónicos y la melodía no están sujetos a las normas tradicionales de la tonalidad.

Una de las obras maestras de esta corriente es la compuesta por Arnold Shcönberg: Verklaerte Nacht o Noche transfigurada. Seguidamente podemos contemplar un video de la pieza:

En el siguiente vídeo observamos la partitura de la obra.  Nos permitirá escuchar y leer al mismo tiempo para examionar la nueva escritura musical propia de Shöenberg. 

Continuamos con otra muestra de la atonalidad y simbolismo descomunal: Lulu suite, de Alban Berg:

Para finalizar con este apartado, exhibimos una grabación del pianista Glenn Gould interpretando las variaciones op. 27 de Anton Webern.

Dodecafonísmo

La música dodecafónica es una vertiente del sistema atonal, la cual está basada en  los 12 tonos de la escala cromática. La melodía dodecafónica debe llevar 12 notas, las cuales aparecen en una serie de forma ordenada y no establecen jerarquía alguna.

La figura más simbólica de esta corriente fue Arnold Scöhnberg. A continuación proponemos un video de la obra: Pierrot Lunaire op. 21. Pieza que consiste en tres grupos de siete poemas: en el primer grupo Pierrot canta sobre el amor, el sexo y la religión; en el segundo sobre la violencia, el crimen y la blasfemia y en el tercer sobre su regreso a casa.