Las TICs han supuesto un gran avance en materia educativa. Se trata de una herramienta cuyo empleo ofrece un amplio abanico de posibilidades didácticas en el aula: desde la proyección de videos hasta la interactuación con la pizarra digital, recursos que permiten una enseñanza completa y favorecen un aprendizaje ameno.
La asignatura de música se ve gratamente beneficiada por este avance tecnológico, gracias al cual es posible acercar a los alumnos a cualquier tipo de práctica musical, ya sea actual o remota. Cada concepto transmitido tiene su representación pictórica, de esta manera el estudiante es capaz de comprender las ideas de forma instantánea.
La propuesta presentada a continuación tiene como objetivo el empleo de recursos audiovisuales para la explicación de una unidad didáctica. En este caso hemos escogido un tema programado para el curso de 3º de E.S.O.: Música culta del Siglo XX.
Nos hallamos ante un momento histórico caracterizado por sus revoluciones sociales y los cambios estéticos y artísticos. La tradición musical sufre una quiebra, fruto de la cual surgen multitud de representaciones musicales cuyo objetivo es ofrecer alternativas sonoras que difieran de lo conocido hasta el momento. El resultado final presenta un arte sonoro renovado. Para lograr este estadio ha sido sometido a pruebas y teorías utópicas propias de un mundo en plena ebullición. Nunca antes se había visto semejante eclecticismo, confusión y proliferación de escuelas.
Tras la introducción realizada, procedemos a la explicación por orden cronológico, de la gran variedad de corrientes musicales surgidas en el siglo XX. Para ello disponemos del siguiente esquema:
Impresionismo
Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas, Eric Satie y Manuel de Falla
Neoclasicismo
Ígor Stravinsky y Paul Hindemith
Segunda Escuela de Viena:
Dodecafonismo y Atonalidad
Alban Berg, Anton Weber y Arnold Shoenberg.
Compositores de Vanguardia
John Cage, György Ligeti, Karlheinz Stockhausen, Luciano Berio, Edgar Varese.
Jazz
Inicios jazzísticos y fusión con otras manifestaciones artísticas.
Esta corriente artística debe su nombre al cuadro de Monet “Impression, soleil levant”. Fue exhibido en el París de 1874, y peyorativamente calificado como impresionista por el crítico Louis Leroy:
"Impresión..no me cabe duda. Me decía a mí mismo que, como estaba impresionado, debía haber alguna impresión allí..y qué libertad, que fácil artesanía ! El empapelado en su estado más embrionario tiene más terminación que este paisaje marino.
Louis Leroy
Según el Webster’s Dictionary, el Impresionimo musical es definido como: “El estilo de composición destinado a crear impresiones descriptivas mediante la evocación de estados anímicos, utilizando armonías y timbres ricos y variados”. Esta corriente musical surge principalmente en Francia. No trata de expresar sentimientos ni relatar un argumento, su principal objetivo es evocar un clima, una atmósfera con ayuda de títulos sugerentes y ocasionales.
Los principales exponentes de la música impresionista fueron: Claude Debussy, Maurice Ravel, Eric Satie, Paul Dukas y Manuel de Falla.
Claude Debussy
Acogió en su obra la búsqueda de un clima y una atmósfera particular que le lleva a nuevas investigaciones a nivel sonoro, donde el timbre predomina sobre los factores armónicos y melódicos. Utiliza nuevas series de acordes, introduce escalas de tonos enteros, cromatismos bastante acentuados y melodías pentatónicas y modales.
Para conocer la armonía propia de Debussy escucharemos Claro de Luna, una de las piezas más conocidas de su obra.
Claro de Luna es una melodía que nos resulta familiar a muchos de nosotros. Su popularidad se debe a la aparición en diversas películas, como es el caso de la famosa saga Crepúsculo.
Debussy también destacó en la composición orquestal. En esta ocasión hemos seleccionado su afamado Prélude à l'après-midi d'un faune, poema sinfónico compuesto en 1894 e inspirado en el poema simbolista de Mallarmé, del cual Manet realizaría ilustraciones.
En 1912 Valsav Nijinskyconfeccionó una coreografía para esta pieza. Contemplémosla a continuación.
Maurice Ravel
Ravel perteneció al mismo ambiente parisino que Debussy, sin embargo su música difiere un muchos aspectos significativos. Una de las características más denotadas de su obra es la proximidad al espíritu del siglo XVIII, por sus melodías y formas más precisamente definidas y por un empelo algo más tradicional de la tonalidad y la disonancia. Sus melodías son mucho más claras y líricas.
Fue un gran orquestador, lo cual podemos observar en su célebre Bolero de 1928.
Eric Satie
La música de Satie puede considerarse en algunos aspectos como una reacción contra el impresionismo. Dicho autor practicó una estudiada sencillez en el ritmo, en la melodía y en la armonía. Su música posee melodías simples acompañadas por armonías inesperadas. ¿Qué mejor manera que mediante la Gymnopedie nº1 para comprobarlo?
Paul Dukas
Aunque compuso una gran cantidad de música, destruyó gran parte de su obra por no sentirse satisfecho con su trabajo. Actualmente solo se conserva una pequeña porción de su trabajo, donde se observa un dominio magistral del ritmo y una orquestación brillante. La obra más conocida de su breve catálogo es L'apprenti sorcier o El aprendiz de Brujo, popularmente conocida por su aparicióna en la película Fantasía de Walt Disney.
Manuel de Falla
La figura de Falla fue de vital importancia para España, siendo éste el mayor exponente del nacionalismo musical español. Su formación tuvo lugar en Madrid y posteriormente en París, por ello su obra estuvo fuertemente influenciada por las corrientes francesas y las vanguardias europeas. De la fusión de estos parámetros surge una música de gran calidad cuya importancia permitió que la música española obtuviera un lugar de honor en las salas de concierto.
El neoclasicismo fue una corriente de la música contemporánea del siglo XX que se manifestó especialmente en el periodo de entreguerras, en las décadas de 1920 y 1940. Se caracteriza por el retorno a los grupos instrumentales pequeños o camerísticos, en lugar de la gran orquesta, por el uso de la técnica del concerto grosso y por evitar la expresión emocional típica del Romanticismo. Las figuras más representativas de esta corriente fueron: Paul Hindemith e Ígor Stravinsky.
Paul Hindemith
Es considerado uno de los músicos alemanes más importantes del siglo XX. Ha sido calificado como neoclásico, no obstante su música posee matices muy diferentes a los de Stravinsky. El trabajo realizado es más cercano al estilo contrapuntístico de Bach que a la claridad clásica de Mozart. A continuación un extracto del Concierto para cuerdas y metal op. 50, en el que dirige el propio compositor.
Ígor Stravinsky
Stravinsky experimentó tres etapas musicales diferentes en su vida: en primer lugar el periodo primitivo o ruso, seguido del neoclasicista y por último se sumergió en el dodecafonismo.
Su estilo neoclásico nació como una oposición al subjetivismo desprendido por el Romanticismo y el expresionismo germánico. Esta música supone el abandono de las formas pensadas para los grandes conjuntos orquestales. La obra neoclásica más representativa de su catálogo es Pulcinella, pieza para instrumentos de viento, basada en la música del s. XVIII.
El video propuesto, es una grabación donde aparece el propio Stravinsky en un ensayo orquestal.
El siguiente vídeo pretende relacionar la música neoclásica con sus formas antecesoras. Encontramos el concierto para flauta, dos violines y bajo continuo en Sol Mayor de Pergolesi.
No podemos dejar de hablar de esta célebre figura musical sin antes citar una de las obras más importantes de su vida: La Consagración de la Primavera. Aunque no forma parte del estilo neoclásico, esta pieza supuso una gran revolución musical en el momento, debido al tratamiento orquestal característico nunca antes empleado. Es un ejemplo perfecto de la capacidad rítmica y la fuerza que puede transmitir una orquesta. Observemos el ballet de la obra:
Terminamos con otra de las obras insignes de su catálogo: El pájaro de fuego. El video propuesto forma parte de la película Fantasía de Walt Disney, en el cual podemos percibir una fusión perfecta entre la música y el arte sonoro.
Fueron un grupo de compositores de la primera mitad del siglo XX, liderados por Arnold Shönberg y sus alumnos Alban Berg y Anton Weber. Fueron los primeros que emplearon la atonalidad y luego el dodecafonismo en la música occidental.
Atonalidad
Es un sistema musical que prescinde de toda relación de los tonos. Los acordes, lazos armónicos y la melodía no están sujetos a las normas tradicionales de la tonalidad.
Una de las obras maestras de esta corriente es la compuesta por Arnold Shcönberg: Verklaerte Nacht o Noche transfigurada. Seguidamente podemos contemplar un video de la pieza:
En el siguiente vídeo observamos la partitura de la obra. Nos permitirá escuchar y leer al mismo tiempo para examionar la nueva escritura musical propia de Shöenberg.
Continuamos con otra muestra de la atonalidad y simbolismo descomunal: Lulu suite, de Alban Berg:
Para finalizar con este apartado, exhibimos una grabación del pianista Glenn Gould interpretando las variaciones op. 27 de Anton Webern.
Dodecafonísmo
La música dodecafónica es una vertiente del sistema atonal, la cual está basada en los 12 tonos de la escala cromática. La melodía dodecafónica debe llevar 12 notas, las cuales aparecen en una serie de forma ordenada y no establecen jerarquía alguna.
La figura más simbólica de esta corriente fue Arnold Scöhnberg. A continuación proponemos un video de la obra: Pierrot Lunaire op. 21. Pieza que consiste en tres grupos de siete poemas: en el primer grupo Pierrot canta sobre el amor, el sexo y la religión; en el segundo sobre la violencia, el crimen y la blasfemia y en el tercer sobre su regreso a casa.
En este apartado tienen cabida las figuras musicales del siglo XX cuya obra se adentra en los movimientos de vanguardia.
John Cage
John Cage es una de la principales figuras del movimiento vanguardista de la post-guerra en América. Fue pionero en la música aleatoria y la música electrónica. Se caracteriza por el tratamiento de instrumentos musicales tradicionales desde una perspectiva que dista del estándar habitual. Un ejemplo es el piano preparado.
En primer lugar podemos contemplar cómo se crea el piano preparado. Seguidamente escucharemos un fragmento de las “Tres danzas para dos pianos preparados”.
Una de las piezas más curiosas y atrevidas de Cage fue el 4’33’’, la cual intenta representar el silencio, herramienta que jugó un rol fundamental en su obra. El material sonoro lo componen los ruidos que escucha el espectador durante ese tiempo, concluyendo así con la reflexión de la no existencia del silencio.
El video propuesto a continuación es muy divertido: una orquesta al completo interpretando el 4’33’’:
No quisiera despedir a Cage, sin antes mostrar un trabajo de lo más creativo. Se trata de su obra para voces Once upon a time.
Luciano Berio
Se trata de la figura representativa de las vanguardias musicales en Italia. Es conocido por su trabajo en la música experimental y fue pionero en el género electrónico. Uno de sus trabajos más creativos son las secuencias, piezas para instrumento solo de gran carga intelectual, que trabajan minuciosamente los recursos de cada instrumento. Veamos una de las secuencias más curiosas: la secuencia de voz.
György Ligeti
Húngaro de origen judío, es considerado uno de los grandes referentes musicales del siglo XX. Compositor vanguardista, experimentó tanto en el campo instrumental como con espectros sonoros.
El recurso visual presentado a continuación muestra su obra Artikulation. Es una representación pictórica y con animación de lo más original.
El metrónomo, eterno rival del músico… ¿Qué ocurre si tenemos 100 metrónomos? Atendamos a la siguiente obra: Poema sinfónico para 100 metrónomos.
Observemos a continuación la partitura de Ligeti Musica Ricercata, realizando una audición visual.
Karlheinz Stockhausen
Es uno de los representantes del movimiento de la Música concreta iniciado por Piere Schaeffer en el París de los años 40. Se trata de música realizada directamente en una cinta magnetofónica, técnica que ha supuesto un papel importante en la posteridad. Stockhausen trabajó basándose en esta filosofía, aunque en Alemania recibía el nombre de Elektronische Musik. Fruto de este pensamiento surge su Studie II.
Edgar Varese
Concluimos nuestro recorrido de vanguardia con Varese, compositor francés del s.XX, también innovó en el campo de la música electrónica y estuvo influido por el movimiento de vanguardia. He aquí una sus obras maestras: Poema electrónico.
Concluimos nuestro viaje por las músicas del s.XX a ritmo de jazz. Este género surgió a finales del s.XIX en Nueva Orleans como una simple música de baile popular. Con el avance de siglo, el jazz ha sufrido importantes transformaciones convirtiéndose en una compleja forma de arte reconocida y celebrada en todo el mundo.
En el siguiente enlace encontramos una explicación al completo del género jazzístico, donde además podremos realizar actividades relacionadas con el tema tratado.
Charlie Parker es considerado una de las figuras más relevantes de jazz. Compositor estadounidense y saxofonista virtuoso, nos dejó interpretaciones como esta:
El jazz es una música con infinitas posibilidades, las cuales le han llevado a la fusión con otras manifestaciones musicales, dando como resultado propuestas de gran interés. Seguidamente encontramos ejemplos de jazz fushion.
Jazz y flamenco: Bebo y el Cigala, "Veinte años"
Jazz y hip hop: KaseO y Jazz Magnetism, "Bogaloo"
El jazz ha jugado un papel fundamental en algunas películas animadas, como es el caso del "Libro de la selva" o una de las últimas producciones de Fernando Truba "Chico y Rita", con dibujos de Javier Mariscal y música de Bebo Valdés.
Trailer de la pelicula "Chico y Rita"
El libro de la selva. El rey Lui. "Quiero ser como tu"
A continuación encontramos un enlace con actividades interactivas para trabajar el tema del jazz.
El recorrido realizado ha sido emocionante. El siglo XX fue una época prodigiosa y de gran plenitud para todas las manifestaciones artísticas. La fusión de músicas y arte provocan un mestizaje cultural, con una esencia capaz de enriquecer el alma de cualquier persona. La música es capaz de crear infinidad de lenguajes y no conoce límites de comunicación ¿qué mejor herramienta para mover el mundo? Disfrutemos de la música siempre.
